TEMA 7

LAS TECNICAS ESCULTORICAS

La técnica artística es el conjunto de procedimientos exigidos por el
empleo de determinados instrumentos, condicionados estos a su vez por
la naturaleza del material y por el fin que el artista propone.
Las técnicas tradicionales de la escultura han sido la talla, modelado,
fundición, todos utilizados desde la antigüedad. En el último siglo se han
unido nuevos procedimientos desarrollados por la tecnología industrial y
han creado las técnicas mixtas.
Pueden clasificarse de diversa manera, pero lo más común es hacerlo en
función del proceso al que se somete el material.
1.- tallar
Los métodos de agrupar la escultura los podemos dividir en:
 Aditiva, en que la escultura se hace por suma de materia o
componentes (modelado, construcción, ensamblaje, fundición o
vaciado).
 Sustractiva, partiendo de un volumen mayor se va eliminando
materia hasta dar la forma deseada. Aquí se incluye la técnica de la
talla.
Esculpir y tallar son los procesos de la escultura en que se realiza una labor
de sustraer materia. No se debería establecer una diferencia práctica
entre ellos. Pero si hay una en cuanto al concepto del material utilizado.
Esculpir se refiere a las técnicas escultóricas que utilizan como
componente la piedra.
Tallar se utiliza cuando se refiere a materiales como madera hueso o
marfil.
El uso de materiales distintos establece también una diferencia entre las
herramientas empleadas en cada una de estas labores.
1.1.- la talla en piedra: esculpir.
Hace referencia a la escultura que se realiza mediante martillo o cincel
sobre materiales duros: piedra, mármol… es la talla en piedra. El trabajo

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de esculpir consiste en ir rebajando la materia para dotarla de la forma
deseada.
Es un proceso substractivo, de eliminación.
Puede ser ejecutada de dos formas distintas:
 Sin bocetos previos, partiendo de un bloque, es lo que se conoce
como talla directa. (Miguel Ángel).
 Se realizan modelos, estudios previos a la obra definitiva, a partir
de un modelo definido mediante el traslado de puntos se realiza la
obra definitiva.
1.1.1.- herramientas para esculpir.
 Para devastar. Cinceles de varias hechuras que se golpean con
mazos o almádenas, para arrancar astillas más o menos grandes.
 Para horadar la piedra se utilizan taladros de diversos tipos.
 Para pulir se utilizan limas y abrasivos naturales como piedra
pómez, esmeril,…
A lo largo de la historia se han utilizado diferentes útiles:
 En Egipto las piedras grandes se tallaban con cinceles puntiagudos
de bronce y se pulían con esmeril.
 En la escultura griega en el periodo arcaico se trabajaba con cincel
puntiagudo en todas las fases del trabajo, luego se pulía con piedra
pómez. A partir del siglo V las superficies se pulen con más esmero
utilizando limas.
 El taladro solo se empieza a usar a partir de la escultura romana.
 En el siglo XVI Cellini establece las herramientas propias de un
escultor como: punzones, bujardas, cinceles, taladros y trépanos,
mazos y martillos, limas escofias, abrasivos...
 Carducho establece para el trabajo en mármol se utilicen picas,
cinceles, punteros, taladros, picolas, macetas, raspas y escofias.
 La escultura moderna introduce el empleo de herramientas
dinámicas, neumáticas, suelen ser devastadoras y discos que cortan
con menos esfuerzos y más rapidez.
1.1.2.- materiales para esculpir.
La principal materia para esculpir es la piedra en todas sus variedades.

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Es una sustancia mineral natural y homogénea de origen inorgánico cuya
composición química está definida y tiene forma cristalina.
En un primer grupo clasificamos las piedras sedimentarias y metamórficas
más o menos blandas en las que se encuentran la esteatita, alabastro,
toba, travertinos, areniscas y calizas de diversos colores
En segundo lugar están las eruptivas que son más duras y estructura
micro o macrocristalina y que son el basalto, pórfido, granito y diorita.
Entre todas destaca el mármol que es de origen metamórfico y que ha
sido el material más apreciado a lo largo de toda la historia de la
escultura.
Por mármol se entiende lo que técnicamente se denomina mármol
estatuario, que presenta una gran dureza, no contiene impurezas es
completamente blanco y su superficie pulida desprende un brillo intenso.
EL MARMOL
Es una roca metamórfica masiva, cristalina compuesta por carbonatos
fundamentalmente por calcita y con componentes secundarios.
De color blanco amarillento o pardo, de grano fino a grueso. La
distribución y abundancia de las impurezas les confiere gran variedad de
coloraciones y texturas siendo la variedad blanca la más apreciada.
Se extrae en canteras a cielo abierto mediante técnicas de aserrado con
hilo metálico helicoidal.
Una vez separado se corta en bloques de hasta 25 Tm. Que permiten su
manipulación y transporte.
Se trasladan a los talleres donde nuevamente se divide en planchas.
Los yacimientos más importantes proceden de las canteras de Pentélico
(monumentos atenienses como el Partenón), isla de Paros, Massa y
Carrara.
Los mármoles de color y jaspeados apenas se utilizan en escultura, pero
son abundantes en decoración arquitectónica. Se usaron
esporádicamente en escultura helenística y romana y posteriormente en
escultura barroca donde se les emplea en la representación de telas y
otros detalles.

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La manera habitual de trabajar el mármol es sacando partido a los
contrastes de textura. A veces los escultores dejan partes del bloque sin
trabajar así las esculturas parecen surgir por si mismas del bloque, o estar
aprisionados en el por los pies. El bloque en estos casos se deja
devastado, no se pule ni se labra.
El uso de la piedra tiene carga simbólica. Antiguamente no existían
muchas posibilidades de elegir los tipos de piedra, se utilizaba la más
disponible. Sin embargo en culturas como la egipcia se utilizan con gran
frecuencia pórfido, basalto y granito de lugares alejados. La eternidad se
materializaba en el principio de permanencia.
Será en la Grecia clásica donde se generaliza el uso del mármol estatuario.
En un principio recibe policromía, que posteriormente se le despoja
convirtiéndose en la forma más rigurosa de clasicismo. Este mismo gusto
se determina en el imperio romano, en el Renacimiento y tras él hasta
nuestros días.
Con Augusto el mármol adquiere dimensión política, símbolo del
“maiestas imperii”, será una manifestación del lujo y pertenencia a la
elite.
EL GRANITO.
Roca compuesta por cuarzo, feldespato y mica. Extraordinaria solidez.
Estructura compacta y textura granular. Gran dureza y dificultad de talla.
Pulimentado ofrece superficie brillante. Es de varios colores.
Muy utilizado por los egipcios que por su dureza lo consideraron
simbólicamente un material para la eternidad. Se utilizó en
representación de faraones y deidades.
En la escultura del siglo XX ha perdido su carácter simbólico pero ha sido
muy utilizado por artistas contemporáneos.
DIORITA.
Roca plutónica compuesta por feldespato, hornablenda, biotita y cuarzo.
Tiene un tono gris muy oscuro o verde, tras ser pulimentada ofrece una
superficie tersa y brillante de aspecto metálico.
Para esculpirla se necesita un gran dominio técnico por su dureza. Fue
apreciada en culturas antiguas donde por sus características se dedicó a la
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representación de sus soberanos. Las esculturas realizadas en este
material no fueron de gran tamaño. Dos ejemplos importantes son el
Patesi Gudea de Lagash y la Estela Hammurabi.
BASALTO.
Piedra volcánica de gran dureza y grano muy fino, color gris tendiendo al
negro o al verdoso. Su textura permite buen pulimento.
Las esculturas más famosas de este material son los bustos megalíticos de
la isla de Pascua.
ARENISCA.
Es la roca más abundante de la corteza terrestre. Son piedras porosas,
poco compactas, textura granulada visible y dureza media. Su porosidad
le hace sensible a los agentes ambientales y no permite la obtención de
buen pulimento. Colores claros entre cremosos y ocres, grisáceos y algún
verdoso.
Obras famosas realizadas con este material son la famosa Estela de
Naramsin.
Muy utilizada en la india budista.
En la edad media europea fue muy utilizada por su fácil extracción.
Abundantes portadas, ventanas, atrios, ábsides de los edificios románicos
y góticos.
CALIZA.
Es una roca sedimentaria, su componente principal es la calcita y como
secundarios la limonita, dolomita, cuarzo...
Aspecto blanco, amarillento, pardusco, gris, negro. De grano fino o
grueso. De textura compacta y dureza media. Permite ser tallada y
pulimentada.
Utilizada desde la más remota antigüedad.
Ejemplos hechos con ella son el escriba sentado, nefertiti, las damas del
arte ibero.
CANTOS RODADOS.

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Piedras en forma redonda producto de la erosión fluvial tras la
destrucción de una roca calcárea en fragmentos. Son de utilización
reciente en la escultura aunque ya muy usadas en el arte primitivo para
realizar herramientas de caza, cortar, alimentarse. Al tiempo que fueron
decoradas con pintura y esculpidas.
En la actualidad se ha recobrado el valor de este material simple y
abundante.
ALABASTRO.
Roca sedimentaria, variedad del yeso, de estructura cristalina, textura
compacta, grano fina y aspecto translúcido.
Es un material blanco y delicado, trabajado de manera lenta y delicada
porque puede descamarse o agrietarse. Requiere habilidad técnica y
experiencia.
Su color es blanco o de un tono beige. Una vez pulimentado adquiere un
aspecto translucido y brillo muy luminoso. Tras el pulido se le puede
aplicar dorado o policromía. Los yacimientos más famosos se encuentran
en la Toscana.
Ha sido un material muy valorado. En el neolítico se usó en la confección
de pequeños ídolos.
Los sumerios lo usaron en sus estatuas.
Las culturas clásicas fueron menos prolíficas.
En la edad media y sobretodo en el gótico se adopta con frecuencia,
aplicado frecuentemente a los monumentos funerarios o como escultura
exenta y en los retablos.
Ejemplos importantes las tumbas de los duques de Borgoña en Dijon, la
estatua de Judit con la cabeza de Holofernes, retablo de la basílica del
pilar, sepulcro de <Juan II y su esposa en la cartuja de Miraflores.
1.1.3.- el acabado de la escultura en piedra.
Puede cubrirse con policromía o puede dejarse a la vista.
Para dejarse visto hay que tener en cuenta las cualidades intrínsecas del
material como contenido de la forma, que surjan modas o valorar
funciones simbólicas.

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La tendencia a cubrir el material de policromía responde a la idea de
ofrecer una imagen naturalista. Esta práctica estuvo muy extendida entre
los pueblos primitivos, civilizaciones no europeas y el antiguo preclásico o
el clásico.
A partir del siglo V la estatuaria griega empieza a pulir las superficies
aunque estas vayan cubiertas de policromía como ocurrió en el Partenón.
Posteriormente se hace más suave y esto determina que en el siglo IV a
de C. se imponga el no policromar. Se empieza a utilizar la gánosis
(patinado de cera).
En la edad media se vuelve al gusto por aplicar policromía a la escultura
utilizando colores vivos, costumbre abandonada en el siglo XV con la
aparición del renacimiento y retorno a los ideales clásicos. Este gusto se
mantiene prácticamente hasta nuestros días.
Para aplicar policromía se realizaba una preparación previa. Primero se
daba un tapaporos o sellante para aislar la pintura de a humedad y
preparar la piedra para la imprimación. Normalmente era una solución
acuosa, cola de pieles o de cola de caseína o mixta como la detectada en
la portada de platerías, a base de cola animal combinada con yema de
huevo.
Luego se procede a dar la preparación o aparejo, permite la adherencia
de las capas de pintura y suaviza las irregularidades. Este parejo suele ser
de yeso y sobre él se procede a dar las capas de pintura.
1.2.- la talla en madera.
Consiste en ir devastando el bloque de madera, hueso o marfil para ir
dándole la forma deseada. Exige una gran habilidad técnica ya que los
posibles errores solo pueden ser en parte corregidos si posteriormente se
utiliza la policromía. Las principales operaciones son cortar, tallar, alisar y
pulimentar la materia.
Se caracteriza por su rigidez y solidez, no puede ser trabajado mediante
modelado, sino mediante talla siguiendo el mismo proceso que el de
esculpir.
Las maderas utilizadas suelen ser las próximas a cada lugar a excepción de
las consideradas preciosas que eran importadas de lugares de
procedencia.

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Se realiza con una técnica que ha permanecida sin apenas alteraciones a
lo largo de los siglos. Presenta inconvenientes respecto a la piedra:
 Dimensiones limitadas. En esculturas de gran tamaño han de
trabajar las piezas y luego ensamblar.
 Presenta irregularidades como nudos o vetas. Debe ser trabajada
uniformemente en toda la superficie, lo que implicaba que
posteriormente haya de policromarla.
 Caducidad, como cualquier materia orgánica está expuesta a la
acción de la humedad y de los organismos, esto ha determinado
que conozcamos pocas piezas del mundo antiguo.
Los tipos de madera utilizados dependen de las maderas más abundantes
de la zona:
 Zona mediterránea: pino, chopo, tilo, sauce, ciprés…
 Sur de Francia: nogal
 Alemania: roble e incluso encina.
1.2.1.- herramientas para tallar la madera
 Para sujetar la madera: prensas de mano, gatos, mordazas de
tallista…
 Serrar: serruchos, sierras, maquinas especificas…
 Alisar: cepillos de hojas de acero,
 Ensamblaje: diferentes colas
 Ajustar: mediante clavijas, trozos de madera o metal que encajan
en un taladro hecho para este fin, los clavos y los tornillos tiene la
misma función.
 Perforación: leznas y barrenas de acero, taladro de mano para
agujeros mayores y el berbiquí con potentes brocas helicoidales.
 Devastar: azuelas, formones, escoplos, gubias, empuñados con la
mano y golpeados con mazo de madera o martillo metálico, torno
para tallar en redondo.
En antiguo Egipto utilizaban herramientas de cobre y bronce muy
parecidas a las actuales. Conocían varios tipos de ensamblaje, la cola y los
clavos y utilizaban frecuentemente chapado y taracea.
En la Grecia clásica sufre decadencia, pero en el periodo helenístico e
imperio romano la técnica llega a un alto grado de perfección debido a la

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incorporación de nuevas herramientas como el cepillo, trépanos, torno y
tornillo, y algunas herramientas tradicionales se empiezan a trabajar en
hierro.
La caída del imperio supone perdida de conocimientos artísticos y en la
edad media muchas formas de trabajo se habían perdido (excepto Italia).
Utilizan pocas y burdas herramientas en casi toda Europa.
A partir del románico la talla en madera tiene un resurgir y con ella todas
las técnicas de trabajo antiguas y todas las herramientas.
1.2.2.- el acabado de la talla en madera. La policromía.
Las maderas antes de ser utilizadas deben tener unas características
básicas: estar seca (es altamente higroscópica) y ofrecer una superficie
plana.
Debe de ser un bloque donde apenas tenga nudos porque provocaría
alteraciones en el revestimiento y son foco resinoso, no debe tener ni
grietas, ni pelos, ni aberturas producidas por las condiciones ambientales.
La madera comienza a devastarse mediante hachuelas para irla rebajando
hasta conseguir el grosor y lisura deseados para iniciar la talla.
Se unen mediante diferentes tipos de ensamblaje o mediante colas que
las pegan por uniones vivas (cola de caseína a partir de cal viva y queso de
leche desnatada), aunque lo habitual son la cola fuerte (obtenida a partir
de restos de piel, cartílagos, huesos…)
Para igualar las piezas y disimular el ensamblaje se utiliza el emplastecido
(pasta a base de yeso cernido, cola y harina de madera con colorante del
tono deseado). El emplaste también puede ser cola-aserrín, cera, goma
laca, poliéster... además del emplaste también se han utilizado telas finas
encoladas que salvaban las irregularidades.
La superficie de la talla se pule mediante papel de lija en la dirección de
las fibras. También se utiliza polvos o arenilla de vidrio, esmeril o
carborundo.
Para dar lustre se procede a patinar la pieza, se aplica barniz, aceite,
piedra pómez molida con aceite, goma laca o un compuesto de cera de
abeja y trementina. Este barniz se extiende con una muñequilla
(almohada protegida con trapos de lino). Las patinas además de proteger

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realzan el carácter de la madera, pueden obtener superficies que imitan
el bronce o al mármol. Fueron muy utilizadas en el renacimiento
germánico y en el clásico europeo donde dejan las piezas de madera sin el
recubrimiento de la pintura.
La policromía.
Rara vez se dejaba la madera vista a no ser que se utilizara maderas
preciosas como caoba o ébano, aunque en el mundo germánico del XVIII
fue moda dejar las maderas vistas. En el siglo XX el interés por los
materiales como valor en sí mismo pone fin al tratamiento de la
policromía en la talla de madera.
El proceso de policromía se componía de cuatro fases: preparación,
dorado, estofado y encarnación.
Preparación. Es un proceso parecido a las tablas utilizadas para la pintura
al temple u oleo.
 Se procede al encolado (varias capas de cola sobre la madera) para
impermeabilizar. La cola más usada es la ajicola (hervido de piel de
animales con ajos).
 Tras el encolado se da una imprimación o aparejo (aplicar una o
varias capas de una base compuesta por yeso, un aglutinante
acuoso, habitualmente cola de animal, al que se le añade blanco de
cinc, blanco España o creta. Con esta capa de aparejo se consigue
una superficie lisa que será el soporte de la pintura y permite la
fijación de pigmentos y aislamiento de la humedad y
microorganismos.
 Finalmente se procede a pulimentar la superficie lijándola y
después se pulimenta con una muñequilla.
 Sobre la superficie de yeso se da una imprimación de albayalde y la
tierra sombra de Italia mezclada con aceite de linaza.
Ya está preparada para recibir los pigmentos. El policromado corre a
cargo de personas diferentes dentro del taller diferentes a las que habían
realizado la talla. Generalmente pintores (pintores de imaginería).
A continuación se procede a dorar y estofar.
Estofado.

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Es un proceso de policromía muy laborioso, persigue la imitación de los
tejidos de brocado con el mayor realismo posible. Consiste en aplicar
colores sobre oro.
Las partes visibles del cuerpo de la talla como cabeza, manos y pies eran
pintadas al óleo imitando el tono encarnado, lo que se llaman
encarnaciones.
Posteriormente se fueron añadiendo otro tipo de elementos además de la
pintura como el cabello natural, ojos de pasta vítrea o cristal, lagrimas
disimuladas con resina, pestañas de pelo natural, dientes de cuerno de
toro o marfil...además de todo tipo de postizos.
El resto de la escultura se estofaba. En ocasiones se añaden trozos de tela
pegados para imitar los pliegues.
La primera fase del estofado era el embolado, aplicación de varias capas
de bol que es una arcilla ferruginosa de color rojo o amarillo. Sobre el bol
húmedo se procedía a colocar los panes de oro.
El dorado era el proceso por el cual la talla se cubría total o parcialmente
de oro. Lo habitual era dorarlas con láminas muy finas de panes de oro.
Este dorado podía ser un proceso final con lo cual se cubría totalmente
para dar apariencia de pieza de oro compacta que permitía rebajar costes
y peso en la obra final.
Pero también el dorado era un proceso de la técnica de policromado de la
pieza. El dorado podía ser brillante (dorado al agua) o mate (dorado al
mordiente) dependiendo del adhesivo utilizado para los panes.
Posteriormente se procedía al bruñido con piezas de ágata o marfil hasta
conseguir superficies doradas de aspecto homogéneo compacto y
brillante.
Sobre el pan de oro se daba la policromía, se elaboraba el estofado
propiamente dicho.
Las dos técnicas más comunes de estofar son:
 Estofar a punta de pincel. Sobre el dorado se dibujan motivos que
quieren representar aplicando directamente
 Esgrafiado. Se extiende una o varias capas de color por la superficie
dorada y cuando secan se procede a raspar siguiendo el dibujo o

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 plantilla del motivo decorativo escogido dejando al aire el dorado
interior.
Normalmente se combinan ambos procedimientos por lo que el conjunto
era una labor muy cuidada y detallista.
Las partes que quedaban sin vestir se procedía al proceso de la
encarnación que tenía dos técnicas principales:
o Encarnación al pulimento que era un acabado liso y de gran tersura,
la capa de pigmento se pulía suavemente hasta producir una
superficie esmaltada.
o Encarnación mate. Se aplica el óleo sin más produciendo un efecto
de mayor realismo. Esta técnica fue utilizada en las obras de
Gregorio Fernández.
Posteriormente aparecen las imágenes de vestir. En estas se realizaban
las partes externas del cuerpo como cabeza, manos y pies que luego se
engarzaban sobre una estructura sobre la cual se colocaban los vestidos y
las telas. Además de buscar el verismo en la representación de imágenes
fue el resultado de buscar aligerar el peso de las imágenes que salían en
las procesiones.
Esta forma de trabajo se ha usado en muchas culturas.
 Las principales tallas que se conservan del mundo antiguo
pertenecen al arte egipcio que se han conservado gracias al clima
seco y uniforme de la zona. Son esculturas de busto redondo,
algunas de tamaño natural aunque lo más habitual es que sean
pequeñas. Las de tamaño natural se trabajan separadamente y
luego se ensamblan se cubren con una capa de estuco y sobre esta
se aplica la policromía. En los sarcófagos las pinturas se aplican
directamente sin ser tratada la madera consiguiendo efecto
parecido al esmalte. Las tallas eran cubiertas con láminas de metes.
 En la Grecia preclásica se realizan el mismo tipo de esculturas
aunque quedan escasos vestigios. Es una técnica análoga a la
utilizada en Egipto. Trabajaban la xóanas (esculturas de madera que
representaban a los dioses desnudos que cubrían con auténticos
vestidos y posiblemente con miembros articulados). En algunas
ocasiones se cubrían con láminas de oro o marfil al estilo de las
estatuas crisoelefantinas de los siglos V y IV.

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  Los periodos de arte clásico y helenístico y la romana fueron en
decadencia por desarrollar más la escultura de mármol y bronce.
 La edad media supone una vuelta lenta al gusto por la escultura en
madera, policromada o no dependiendo de las posibilidades
económicas. A partir del siglo XV la talla en madera policromada
adquiere verdadera importancia especialmente en el ámbito
español donde se implica una importante labor de taller y la
intervención de varios especialistas. Gran cantidad fueron
realizadas como pasos procesionales y retablos. En el caso de las
sillerías de coro hubo prohibición explicita de policromarse,
quedando la madera a la vista. El gusto por la talla en madera pasa
de España a la América hispánica.
 La época neoclásica impuso el abandono de la talla en madera a
favor del mármol.
 En el siglo XX la valoración que se hace del material en sí mismo ha
determinado la utilización de la madera en su estado natural, pero
la talla policromada no ha sido revalorizada ni se ha vuelto a
cultivar.

1.3.- la talla en marfil y hueso. Eboraria

En sentido estricto marfil es la materia que conforma las defensas de los
elefantes, si bien en la práctica se aplica también a los dientes de otros
animales como la morsa o e mamut incluso a otros huesos usados en
época de escasez.
Procede de diversas zonas, costa de África, Abisinia, India, Siam...
El color oscila del blanco brillante a tonos amarillentos ligeramente
rosados. Fue muy preciado y comercio de lujo desde la antigüedad.
Actualmente rechazamos el uso de este material.
Su talla es muy similar a las madera duras y para ello se emplean los
mismos utensilios. Su precio y tamaño exigen unas técnicas más delicadas
por considerarse material de lujo. El ámbito principal de su desarrollo es la
pequeña.
Los objetos más antiguos proceden del paleolítico, tuvo importancia en las
civilizaciones antiguas, en las culturas de Bizancio y en el islam.

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La época románica y gótica produjeron magnificas obras.
El periodo renacentista fue poco notable. Su centro de producción son
Flandes y Alemania.
A finales del XVI tiene un nuevo momento de esplendor que continua en
época barroca.
A mitad del XVIII se produce un giro en el arte que afecta a la eboraria con
tendencia clasista.
El XIX supone una fase de oscuridad y a principios del siguiente hay un
renacer que se achaca a la revalorización de la artesanía.
Actualmente rechazo absoluto al uso del marfil.
2.- Modelar
Se realiza a partir de materiales blandos a los que se les va dando la forma
deseada mediante las manos sin que estos ofrezcan resistencia.
Los materiales usados son la arcilla o la cera. La escultura se obtiene
endureciendo el material una vez que se le ha dado la forma deseada
mediante un proceso de cocción.
El modelado como proceso aditivo se lleva a cabo añadiendo o quitando
porciones de masa y dándoles forma sin dificultad, lo que permite una
ejecución rápida. La ventaja es que al material se le puede modelar en
cada una de las fases de la escultura, lo que permite control completo de
la estructura de la forma, tanto interna como externa. Se puede corregir
en cualquier momento del proceso.
Son múltiples los materiales aptos para el modelado: escayolas, ceras,
cementos, plastilinas, aunque el más empleado ha sido la arcilla.
El modelado se ha utilizado no solo para la realización de esculturas
definitivas, sino también para realizar los bocetos y modelos previos a una
escultura realizada en otro material.
2.1.- herramientas para modelar.
Principalmente son las manos junto con espátulas, palillos, de diferentes
materiales como el marfil, madera o plástico, con diferentes terminados
rectos, curvos…dependiendo el uso que se le dé. También se utiliza el

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alambre para cortar, tacos de madera para presionar, plataforma
giratoria…

2.2.- materiales para el modelado.

Barro.
La característica fundamental de este material es su maleabilidad al
mezclarse con agua.
El trabajo comienza con el molido de los materiales extraídos de la
naturaleza hasta conseguir un polvo muy fino y homogéneo de arcillas.
Se añade agua para conseguir una masa plástica. Se amasa y se coge un
bloque o pella para trabajarlo.
Al proceso de conformación le sigue el secado al aire libre o cocción
dentro de un horno.
Esta última fase es para darle resistencia e impermeabilidad. Se realiza en
hornos avivados con leña incrementando la temperatura paulatinamente
para que el calor se reparta de forma uniforme.
Según el grado de cocción se obtienen materiales porosos, semicompactos
y vitrificados
Los productos porosos son de grano grueso opacos y rezumables al agua.
Los semicompactos son de grano fino y poco permeables al agua como el
gres.
Los compactos poseen estructura microcristalina y son impermeables
como la porcelana y la loza fina.
Los productos vitrificados se encuentran en estado vítreo y son
translucidos o transparentes. Cada uno de estos materiales posee sus
propios valores estéticos.
Con el modelado se consigue forma sólida o hueca.
La forma sólida consiste en conseguir la figura deseada de un modo
compacto añadiendo materia. Cuando la obra adquiere cierto tamaño la
flexibilidad del barro es un problema por lo que hay que realizar una
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armadura rígida con estructura simplificada a modo de esqueleto. Esta
estructura se denomina alma. También se puede realizar el modelado en
el torno que consta de una superficie giratoria sobre la que se coloca la
pella y se mueve por el impulso que el pie del artesano imprime al eje.
Después de la cocción y el enfriamiento las terracotas se pueden decorar
con colores al temple.
La facilidad de encontrar arcilla, su bajo coste y rapidez de ejecución
favoreció el uso desde la antigüedad.
Dibútades de Sición fue el primero en realizar esculturas de barro aunque
conservamos restos de pequeñas esculturas en la prehistoria.
Representaban divinidades.
Esta costumbre se mantuvo desde época mesopotámica, en Egipto fue
muy utilizada para realizar las figuras de esclavos que acompañaban a
faraones en sus tumbas.
Esta costumbre se mantiene en época micénica y paso a Grecia donde se
realizaban las tanagras.
En china se construyó el famoso ejército de terracota, seis mil figuras que
representaban soldados y caballos de tamaño natural.
Los etruscos lo utilizaron habitualmente para figuras pequeñas que
colocaban en los tejados, pero también realizaron de gran tamaño como
los famosos sarcófagos.
En Roma imperial apenas se utiliza.
Tampoco en la edad media.
A partir del renacimiento la escultura de terracota se convierte en algo
esporádico, utilizaban el barro cocido vitrificado y policromado que utilizo
Luca della Robbia.
La técnica de terracota vidriada o mayólica se corresponde en una primera
parte con la técnica del barro, la diferencia se establece a partir de la
cocción. Se deja secar parcialmente para aplicar un recubrimiento vidriado
mediante esmalte al fuego que le proporciona acabado policromo de
carácter cerámico.
El esmalte aplicado se denomina estannífero cuyo componente es el óxido
de estaño para conseguir un producto opaco translucido y de tono blanco
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leche y también óxidos metálicos que definen los colores. Los colores
resistentes a la cocción son el azul que se convierte en cobalto, el amarillo
que se consigue con el óxido de antimonio, y el verde gracias al oxido de
cobre.
El esmalte se aplica a pincel y se sobrepone sucesivamente a cocciones
que lo fijan de forma estable a la superficie que queda cubierta de una
capa de esmalte brillante y compacto.
Poco a poco irán perfeccionando la técnica. Obras destacadas: ciborio de
la colegiata de Peretola (mármol y terracota). En España san Jerónimo y
san Sebastián de Juan de Juni.
En épocas posteriores el baro se ha seguido cultivando, pero la mayoría
para modelos previos a la fundición o a la escultura. En contadas
ocasiones para obra definitiva.
Cera.
Sustancia solida amarillenta y maleable procedente de las abejas y otros
insectos y que se aprovecha para distintos usos.
Habitualmente pata escultura se utiliza la cera de abeja, aunque por su
escasez se utilizan las ceras sintéticas como la microcristalina.
Para trabajar con ella hay que licuarla por medio de calor, derramarla
sobre superficie oleosa, rígida e impermeable, ligeramente templada se va
amasando y se consigue una materia plástica y flexible fácil de modelar.
Se trabaja con las manos fundamentalmente, se untan de aceite para
poder modelar. Con espátulas, rascadores, cuchillo, puntas, lápices se
realiza el modelado deseado.
Se utiliza prácticamente para figura preparatoria de la escultura, hacer
modelos y vaciado.
Debido a su flexibilidad se hace indispensable el uso de una armadura,
incluso en figuras pequeñas.
Existen escasos ejemplos de escultura en este material, pero han llegado
magníficos bocetos de esculturas renacentistas y barrocas de Bernini,
Giambolonia o Cánova.
Yeso.

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Sulfato de calcio hidratado, generalmente blanco, compacto o terroso. Es
muy blando y endurece con rapidez cando se amasa con agua y permite
que se emplee en escultura...
Normalmente su uso se adecúa a la técnica del vaciado de moldes.
La tendencia a la rigidez que tiene el yeso seco determina predisposición
al resquebrajamiento, por lo que la preparación de la pasta de yeso que se
va a modelar debe ser muy cuidadosa y seguir normas estrictas.,
La técnica del vaciado consiste en hacer un molde en hueco, de una pieza
original que se rellena con un material líquido o pasta móvil, como el
bronce fundido.
El molde en yeso se denomina hembra, es hueco y es la imagen en
negativo de lo que se quiere esculpir, el original se denomina macho y es
la imagen en positivo. Los moldes se pueden destruir con la primera pieza
o se pueden conservar para hacer reproducciones.
El molde se puede hacer entero a partir del original o se puede hacer por
secciones. Cuando el modelo es de barro, sobre este, para conseguir los
moldes se aplica una mezcla de yeso en varias capas, ayudadas algunas
veces con cañamazo e incluso cinta de hierro. Endurecido el yeso se
procede a desprender el molde conseguido del modelo de barro que
normalmente se desbarata en esta operación. El vaciado puede presentar
huellas del molde que se respetan o se retocan alisando las superficies. El
vacío puede llenarse de otras materias.
El yeso fue utilizado por los egipcios que lo emplearon para realizar
mascarillas mortuorias. El primero en realizarlas fue Lisístrato de Sicion.
3.- la escultura en metal
3.1.- la fundición en bronce.
Se realiza con materiales metálicos en su estado de calentamiento líquido.
No es un proceso directo sino que se necesita previamente un modelo,
realizado generalmente mediante el modelado en arcilla, cera o yeso y un
molde.
El vaciado o colado es un vertido de reproducción, no exactamente una
técnica escultórica propiamente dicha.

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Los dos sistemas fundamentales son el de fundición a la cera perdida y de
fundición a la arena. Ambos utilizados desde la antigüedad clásica.
El material utilizado casi constantemente es el bronce (aleación de cobre y
estaño) de gran dureza y ductilidad gracias al estaño que licua bien.
Además presenta una mínima expansión y contención al fundirse y
solidificarse, lo que le convierte en adecuado para este método.
Ha sido un material muy apreciado desde la antigüedad por su color y
frialdad.
La obra de bronce es muy costosa, tanto por el material como por el
proceso lento de trabajarlo, pero el propio valor intrínseco del material y
su reversibilidad al calentarse y licuarse cuantas veces sea necesario ha
determinado que las esculturas a lo largo de la historia hayan sido
fundidas para reutilizarse, y frecuentemente para fines bélicos.
El proceso ha de realizarse combinando diversos oficios, incluso diferentes
talleres.
3.1.1.- la fundición a la cera perdida.
Es la técnica más sencilla y la más empleada a lo largo de la historia de la
escultura fundida. Es utilizada en todo el mundo y fue desarrollada de
manera independiente y paralela por sumerios, indios, chinos, cultura
occidental…
Dos procedimientos:
 Fundición maciza. Para escultura en bronce de pequeño tamaño, la
estatua queda totalmente llena y maciza. El proceso consiste en
realizar un modelo en cera que se recubre de arena o arcilla, yeso o
cualquier materia refractaria con la que se obtiene un molde de ese
modelo que recibe el nombre de molde o túnica, en el que se dejan
orificios de entrada y salida llamados bebederos. Cuando el molde
esta duro y seco a través de los orificios de entrada se introduce una
colada de bronce fundido en estado líquido que penetra en el
interior y funde la cera y la desplaza por los orificios de salida
ocupando su lugar. Tras esta operación de vaciado se deja enfriar el
metal que adquiere la forma del modelo y posteriormente se
fractura el molde que lo recubre. No es adecuado para esculturas

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 de gran tamaño por la cantidad que se necesitaría de metal fundido
y el peso sería excesivo.
 Fundición al hueco. Se atribuye a los escultores griegos Rhoikos y
Theodoros de Samos, que la aprendieron en oriente. Esta técnica es
más compleja y requiere de un proceso lento y largo, pero tiene los
mismos fundamentos. Primeramente se modela un núcleo o alma
en arcilla, arena o yeso. Sobre el alma se amolda un recubrimiento
de cera con la forma y espesor que debe tener la estatua definitiva.
Sobre esta capa de cera se realiza un molde o túnica que como en la
técnica anterior tiene agujeros de entrada y salida. El bronce
fundido y líquido se vierte por los orificios de entrada, la cera
licuada se escapa por los orificios de salida ocupando su lugar el
bronce. Cuando el metal se enfría se rompe el molde y se deja en su
interior el alma y la escultura es maciza o se extrae y la escultura
queda hueca y mucho más ligera. Con esta técnica se ahorra gran
cantidad de metal.
Tampoco se consigue hacer esculturas de gran tamaño, estas se realizan
por piezas en las que cada una se funde por separado y después se
montan con pernos y soldaduras. Permite mantener el modelo original lo
que posibilita la reproducción en serie de diferentes obras. El proceso es
parecido al descrito, primero se prepara el modelo que por su tamaño y
complejidad necesita de un armazón de hierro interior. Este modelo
estaba absolutamente terminado, realizado en arcilla o yeso. A partir del
modelo original se realizaban moldes de yeso en negativo de las
diferentes partes: cabeza, brazos, piernas…A partir de aquí la cera se
vertía en unos moldes, no se modela sobre el original. Una vez solidificada
la cera en el interior de este molde o pieza se aplica sobre el molde
original en arcilla y se realizaba el vaciado. La famosa Auriga de Delfos se
fundió en diez piezas diferentes y después las piezas se soldaran. De la
época imperial romana permitió la reproducción en serie.
3.1.2...- la fundición a la arena.
Utiliza arena en vez de cera. Crea a partir de un modelo original dos
moldes de arena uno en positivo y otro en negativo, los moldes unidos
dejan un pequeño hueco este espacio es el que va a ocupar el metal
fundido.

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Los moldes se realizan introduciendo el modelo original en una caja que
contiene mezcla de arcilla y arna húmeda, sobre esta capa el modelo deja
su huella en negativo. Se deja secar y sobre este molde se realiza otro en
positivo. Se cuecen y se unen dejando el espacio pequeño que va a ocupar
el bronce.
Esta técnica permite realizar innumerable número de copias sin la
necesidad de modelar la arena cada vez. Tiene la desventaja que produce
muchas imperfecciones y es de calidad modesta. El acabado requiere
bastante trabajo.
La preparación del modelo representa el momento más importante de
toda la técnica de fundición. Es posible que el escultor intervenga tan solo
en el proceso de realización del modelo.
En lo que se refiere a herramientas, las que se utilizan en la preparación
son siempre las mismas que las utilizadas en el modelado de barro, cera o
yeso, con las pequeñas diferencias como la necesidad de usar esqueletos
internos de hierro.
La superficie del metal se acaba mediante:
 cincelado, golpeado la superficie por el anverso, cara vista del
metal, para obtener la forma deseada.
 limado, alisar y dar forma con una lima.
 Bruñido, se frota con bruñidores para obtener una superficie lisa y
reflectante.
 Patinado, se crea una capa coloreada artificial que modifica el color
original del metal. Se obtiene por cualquier tratamiento químico o
galvánico. Tuvo diferentes intenciones. Durante el helenismo se
extendió la costumbre de dorar las esculturas (amalgama de oro y
mercurio) sobre la superficie de bronce. Una vez aplicada el
mercurio se evapora por calentamiento y el oro se quedaba fijo
como una pátina. El dorado es más o menos intenso dependiendo
de la cantidad de oro disuelto en la amalgama.
Se denomina acabado en frio cuando detalles de la cara y pelo se
terminan a cincel cuando el metal esta frio.
En la fundición por piezas consiguen espesores muy finos que aligeran
peso y abaratan costes pero no soportan excesivo acabado a cincel.

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La fundición al bronce ya tenía alto grado de perfección en las antiguas
civilizaciones de Mesopotamia y Egipto. Su forma más primitiva consistía
en colar el bronce dentro de los moldes realizados con barro cocido.
La técnica de cera perdida en empieza a utilizar a partir del tercer milenio
antes de cristo. Las primeras esculturas eran macizas, pero pequeñas. La
de mayor tamaño es de origen griego y mide 42 cm. Representa a un
flautista.
Durante la edad media se perdió para grandes obras, recuperándola
Donatello en esculturas monumentales como el David, realizado para el
palacio de los Medici.
3.2.- trabajo directo sobre el metal.
Es la forma más antigua que se conoce. Se usa martillo y cincel láminas de
cobre, bronce o metales preciosos como oro o plata, se obtiene la forma
deseada. Existen dos formas de trabajo:
o Repujado. Consiste en martillear o cincelar la lámina de metal
desde el interior creando un relieve. La lámina de metal se puede
trabajar en caliente o en frio. Se utiliza para objetos pequeños o
bajorrelieves.
o Martilleo. Se utiliza para piezas escultóricas de mayor tamaño. Se
golpea la lámina de metal en su parte exterior sobre un cuerpo
sólido, el alma, normalmente una estructura de madera que se talla
previamente. La madera se cubre de betún que permite la adhesión
de las láminas de metal que se trabajan en el martillo y el cincel en
caliente. El acabado final se define gracias a cinceles, buriles y
rascadores.
Un ejemplo de escultura monumental mediante trabajo directo es la
Cuadriga de la puerta de Brandemburgo en Berlín. Presenta a la diosa
victoria, y mide 5 metros de altura. Esta realizada sobre martilleado
repujado sobre madera. Presento dos problemas porque en Berlín no
existían talleres de vaciado especializados en bronce y falta de
estabilidad. Para esto decidió realizar una escultura con alma de madera.
Sus yesos originales se pasaron al molde de madera y se cubrieron con
láminas de cobre. Durante la segunda guerra mundial sufrió graves daños
pero pudo reconstruirse fielmente por la existencia de los molde de yeso
originales.

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3.2.1.- ensamblaje y soldadura.
Las esculturas hechas con esta técnica son de metal. Estos materiales
conforman la escultura mediante la fijación de perno o remaches, o bien
acudiendo a la soldadura que es un método de unión de piezas metálicas
que se realiza mediante presión y o calor.
Se denomina también construcción y es la técnica que se utiliza para unir
diferentes partes que habrán de conformar una escultura final. La mayor
diferencia con las técnicas anteriores es que las partes contiene ya su
forma definitiva antes de proceder a su unión para obtener la definitiva.
Las herramientas utilizadas son las que sirven para sujetarlo, golpearlo,
unir superficies, doblarlo, cortarlo o pulirlo.

4.-Otros materiales utilizados en la escultura.

4.1- hierro
Metal dúctil, maleable y muy tenaz, de color gris azulado, empleado en la
industria y en las artes en varias combinaciones con otros elementos. Es
muy conocido desde muy antiguo.
Los procesos de obtención y preparación del mineral han sido complejos y
se ha perfeccionado lentamente.
Se utiliza al principio como ornamento, pero ha sido utilizado para
elementos prácticos y utilitarios fundamentalmente. Hay que llegar al
periodo románico para poder hablar de obra artística y es en el campo de
la rejería.
El trabajo del hierro se denomina forja, consiste en dar forma deseada,
para ello hay que aplicar calor y volverlo maleable. Los instrumentos
necesarios son el yunque y una superficie de acero sobre la que se
comprime el metal con ayuda de un martillo.
Ha sido utilizado esporádicamente para esculturas, siendo el pueblo
africano el que los ha realizado y que por sus formas abstractas podrían
confundirse con escultura del siglo XX.
En el siglo XX con la valoración de los materiales por si mismos el hierro se
ha empleado por grandes artistas como Picasso, Jaume Plensa…

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4.2.- el aluminio.
Metal blanco muy ligero, maleable, inoxidable y de color gris mate.
Cuando se pulimenta adquiere gran intensidad y brillo.
No se halla en estado libre en la naturaleza, sino formando
combinaciones. Es muy abundante en la naturaleza, pero no se ha
empezado a usar hasta principios del XIX. Es difícil de conseguir y en las
primeras fases se consideraba un metal precioso por lo costoso de su
producción, hasta 1821 con el descubrimiento de a mena bauxita muy
rica en este metal.
Su característica ligereza no es muy apreciada, al ser demasiado blando y
tenaz.
Su aplicación en escultura es muy tardía prácticamente hasta 1945. En
escultura ha sido utilizado por Judd, Louise Bourgeois, Miquel Navarro…
4.3.- cinc
Metal blanco azulado, muy brillante, blando y de estructura laminosa. No
se halla en estado puro. Los antiguos lo sometían a la acción del calor
obteniendo óxido de cinc. Los alquimistas de la Edad media lo llamaron
lana filosófica y también nix alba por su parecido a copos de nieve.
Su aplicación a la escultura es reciente siendo Xavier Elorriaga quien lo
utiliza por primera vez en 1959.
4.4.- plomo
Metal pesado, dúctil, maleable, fusible de color gris ligeramente azulado.
Se obtiene de la galena.
Es conocido en la antigüedad, los romanos lo emplearon en conducciones
de agua.
El alto peso del plomo lo hace adecuado para usos como pesos y por su
alta densidad para la protección de radiaciones.
Su firmeza a la corrosión ha determinado que este material se emplee en
grupos escultóricos destinados a fuentes durante el renacimiento y
barroco. En el siglo XX se ha sido utilizado por escultores como Richard
Serra.
4.5.- cobre

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Metal de color rojo pardo, brillante, dúctil y maleable, más pesado que el
níquel y más duro que el oro y la plata. Se encuentra nativo en la
naturaleza o combinado con otros elementos.
El cobre o bronce fueron utilizados de forma temprana. Los objetos de
menor tamaño se forjaban directamente, pero lo más frecuente era
verter el cobre derretido en un molde de piedra o arcilla para darle una
primera forma, para lo cual era más apropiado el bronce por su menor
punto de fusión. Luego se martilleaba el metal alternado golpes con
recalentamientos cuando se endurecía demasiado. La colada era un
molde de dos partes, para imprimir dibujo en la superficie del metal era
difícil, pero este procedimiento podía practicarse con bronce.
Ha sido utilizado desde la antigüedad. Uno de los más famosos es la
estatua de la libertad que fue realizada con 330 planchas de cobre sobre
una estructura interna muy sofisticada diseñada por Gustave Eiffel.
4.6.- estaño
Duro dúctil y maleable de color blanquecino grisáceo brillante y resistente
a la corrosión. Se extrae de la casiterita. Punto de fusión bajo y soldadura
autógena. Se trabaja en finas láminas. En la escultura se ha utilizado poco
al no ser considerado noble. Un ejemplo es la obra de Chirino.
4.7.- latón.
Es una aleación de cobre y cinc, de color amarillo pálido y susceptible de
gran brillo y pulimento.
Llego a occidente en la época de Augusto, quien acuño las primeras
monedas de este metal. Su composición es variable debido a que era seis
veces más cara que el cobre.
Se hace mediante un procedimiento de cementación en el que la
calamina o carbonato de cinc, el cobre y el carbón vegetal se calcinaban
juntos.
Fue muy utilizado en enseres domésticos y más tarde para fabricación de
juguetes.
Su utilización en escultura es antigua pero esporádica. Fue empleado por
egipcios y sumerios y culturas africanas de Benin para las máscaras de
ritos ceremoniales.

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Ha sido utilizada por escultores como Brancusi, Oteiza o Alfaro.
4.8.- hormigón.
Mezcla de piedras menudas y mortero de cal o cemento y arena. Sus
cualidades son la impermeabilidad, estabilidad química, fácil moldeo y
bajos costos.
En su versión moderna se aplica a la construcción desde el siglo XIX a la
escultura no llega hasta 1950.
Entre las técnicas de trabajo está el modelado, que consiste en ir
aplicando la pasta de hormigón sobre una estructura metálica o cualquier
otro soporte rígido, mediante herramientas propias de albañilería.
Otra técnica es la de hacer la pieza escultórica a partir de un molde
realizado en cualquier otro material. Con cemento aluminoso se realizan
vaciados en hueco disponiendo una lechada sobre el molde encima de la
que se vuelcan capas de cemento y hormigón reforzados con fibra de
vidrio.
Ha sido utilizado por escultores como Chillida, Henry Moore, Oteiza.
4.9.- plástico
Es una sustancia artificial cuya principal característica es la capacidad de
ser modelada bajo diversas circunstancias y creada a partir de la adición
de moléculas basadas en el carbono para producir otras de gran tamaño
conocidas como polímeros.
El plástico presenta características como ligereza, solidez, inalterable a los
agentes de deterioro, se puede trabajar en frio o caliente, se puede
cortar, pegar, doblar o hacer vaciados. Se puede utilizar coloreado o
posteriormente policromar.
Se empieza a utilizar en los años 20 por Naum Gabo, en los 60 como
Claes Oldenburg.
Uno de los más utilizados es el metacrilato, un sólido transparente, rígido,
no quebradizo y resistente a agentes atmosféricos, permite policromía.
Otros materiales son el nylon, poliestireno, policloruro de vinilo o pvc…
Existe un nuevo grupo de creación de escultura de las últimas décadas del
XX que no están incluidos en los procesos de elaboración referidos y que

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difiere de la representación clásica estática por ser un proceso dinámico,
el arte-objeto, performance, esculturas virtuales…

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